Entrevista com Carlos Loffler, neto de Oscarito

Em mais uma entrevista exclusiva para o "Devo Tudo ao Cinema", converso com o colega ator Carlos Loffler, neto de Oscarito, um dos maiores nomes da história do cinema nacional. 

O - A sua trajetória é interessante, você iniciou no rock e foi o amor por seu avô que o fez se interessar pelas artes cênicas. Como você analisava essa herança familiar antes e como foi esse turning point? Você se recorda exatamente do momento em que Oscarito te inspirou a redefinir suas metas de vida?

C - Eu comecei nos anos 70, ainda na adolescência cantando Rock 'n ' Roll em bandas de escolas. Por me achar meio tímido, eu achei melhor fazer teatro (Tablado) em 1980 e confesso que foi nesse momento que eu comecei a pesquisar a vida do meu avô e a sua importância no humor no Brasil, até então ele era um avô como outro qualquer, tínhamos poucos momentos juntos, festas natalinas e alguma viagens de férias. Ele morreu em 1970 e eu tinha 10 anos, sendo assim, só fui descobrir o meu avô artista entre o Rock e o Teatro em 1980.

O - Na minissérie "Dercy de Verdade", de 2012, você interpretou seu avô. Imagino que deve ter sido uma emoção única. Conte um pouco dessa experiência. Você teve algum receio de encarar a responsabilidade desse projeto?

C - Interpretar o meu avô na minissérie "Dercy de Verdade" foi realmente muito emocionante e, de certa maneira, uma grande responsabilidade. Foi hilário! Um presente dos deuses! Foi muito divertido, tive a sorte de contracenar com atores que já haviam trabalhado comigo em outros projetos. E ser dirigido pelo Jorge Fernando foi um prazer total. Não tive receio de encarar, pois já tinha homenageado o meu avô em outros programas, como o “Retrato Falado” e “Fantástico”, entre outros. 

O - Hoje, com a maturidade pessoal e profissional, como você analisa a importância de Oscarito no cinema nacional? Por melhor que biógrafos possam captar a influência dele na indústria, ninguém melhor que você pra mensurar esse legado.

C - Oscarito foi o maior cômico que o Brasil já teve, com seu imenso talento, sua disciplina, ele era perfeccionista, teve sucesso principalmente nos filmes da Atlântida, onde o grande público lotava os cinemas. Ele levou o seu humor circense e popular para as telas, irritando os críticos. Ele era amado pelo povo, era um Chaplin brasileiro.

O - Quando entrevistei Alice Gonzaga, guardiã da memória da Cinédia, abordei o triste desinteresse que grande parte da juventude nutre com relação ao passado cultural, atitude que se reflete também naqueles que poderiam efetivamente manter essa história. Os nossos filmes antigos, com poucas exceções, se perdem, não são restaurados. Quando são lançados em DVD, logo ficam fora de catálogo, dificultando o acesso daqueles que tem interesse. E os filmes iniciais com o Oscarito são das décadas de 30, 40, não são cinema mudo dos anos 20. Se essa nação fosse séria, os cinéfilos teriam todo esse acervo em alta qualidade, pra ser estudado e apreciado pelas próximas gerações. O brasileiro quer ganhar prêmio no exterior, mas não valoriza seu passado. Como você vê essa questão? E você tem esperança de que esse panorama seja modificado?

C - Você tem razão, sinto que aqui não existe esse cuidado com os acervos desses artistas geniais. Isso é muito triste. As famílias tem que cuidar dos seus próprios acervos, no caso do Oscarito, nós doamos para o MIS (Museu da Imagem e do Som de São Paulo) as imagens, fotos e documentos. E esperamos que a Cinemateca possa ter mais verbas para preservar os filmes.

O - Seguindo no mesmo raciocínio, como você enxerga a valorização atual das chanchadas e comédias populares da época pela crítica, quando, durante muito tempo, elas eram injustamente tratadas como um produto menor? A qualidade de produção era impecável, os figurinos e os cenários, grandiosos. Os musicais da MGM, da década de 50, muitos deles eram bregas, alguns até inferiores aos musicais que nós fazíamos, porém, ninguém reclamava. Essa reação era uma variação do complexo de vira-latas?

C - Acho que melhorou bastante, hoje em dia comediantes ganham prêmios (rs). Antes eu acredito que existia um certo preconceito com quem fazia humor, ainda mais se tratando das famosas Chanchadas da Atlântida. Eram muito criticados, não achavam cinema sério. Sim, porque fazer humor é realmente muito difícil, mas quanto mais criticas negativas, mais as salas ficavam cheias. E acredito que esses novos comediantes sabem a importância desses filmes e seus artistas.

O - A origem do seu avô era circense. Você acredita que a ingenuidade desse tipo de arte, mantida de certa forma pelos Trapalhões nas décadas de 70 e 80, poderia ser a chave para que a indústria atual conseguisse entregar boas comédias populares, ao invés de popularescas, como parece ser o padrão do gênero hoje? Em outras palavras, você acredita que haveria espaço para Oscarito no cinema de comédia nacional moderno? Se não, o que se perdeu?

C - Acho que sim, teria espaço. Apesar do humor de hoje ser bem mais picante, menos ingênuo, sempre haverá uma turma fazendo um humor mais circense. Perdeu por um lado, mas ganhou por outro, hoje os cinemas ficam lotados pra ver esses novos filmes de comédia. Isso é ótimo!

O - Já que citei o trabalho dos Trapalhões, impossível não comentar sobre sua participação em "Os Trapalhões e a Árvore da Juventude", vivendo um jovem Didi. Como foi essa experiência? Renato Aragão é um grande admirador de Oscarito, vocês conversavam sobre isso?

C - Um presente fazer o Didi no filme "Os Trapalhões e a Árvore da Juventude", uma experiência incrível, participar e conviver com eles, muito divertido, viajamos juntos e tive a oportunidade de levar um lero com eles, principalmente o Renato Aragão, que me contou muito emocionado que o meu avô foi uma grande influência pra ele começar nessa carreira. Incrível!

O - Como era o Oscarito fora do personagem? Você pode nos passar uma imagem íntima de como era o homem em sua vida normal. Tenho certeza que ele era mais interessante que o próprio personagem que criou.

C - Meu avô era um cara muito sério, tímido até demais, não sabia contar uma piada! Mas em cena ele se transformava totalmente, mostrando que pra ser comediante não precisa ter graça o tempo todo. Ele era o oposto, em casa era o Sr. Oscar, nas gravações ele era o Oscarito. 

O - Gosto de "Aviso aos Navegantes", "Matar ou Correr", "Nem Sansão Nem Dalila" e "Barnabé, Tu és Meu", mas considero "De Vento em Popa" (1957) o melhor filme da carreira dele, um dos melhores filmes da história do cinema nacional. Quais são os seus filmes favoritos dele? E as razões?

C - Gosto muito do filme “O Homem do Sputnik”, de Carlos Manga, e todas as paródias. Gostava mais dos filmes do meio do ano, do que aqueles muito carnavalescos, que tinham roteiros mais fracos, divulgando mais as musicas de carnaval da Radio Nacional. Mas meu avô era bom mesmo nas grandes Revistas e no Teatro de Comédia. Ele era maravilhoso, pena que eu não pude ver ele em cena.

O - Carlos, por gentileza, deixe uma mensagem final para os meus leitores, fãs de cinema que valorizam sobremaneira o legado de Oscarito no cinema nacional.

C - Agradeço a todos vocês que são apaixonados por cinema como eu. E agradeço especialmente a todos que fazem cinema nesse país. A luta continua. Viva Oscarito!

Cine Bueller - "Trinity é o Meu Nome", de Enzo Barboni

Trinity é o Meu Nome (Lo Chiamavano Trinità... – 1970)

Carlo Pedersoli, o internacionalmente conhecido Bud Spencer, famoso pelos filmes que fez com Terence Hill, faleceu ontem em Roma aos oitenta e seis anos. Eles chamaram a atenção do público pelo contraste físico na trilogia dirigida por Giuseppe Colizzi, composta por “Deus Perdoa, Eu Não!”, “Os Quatro da Ave Maria” e “A Colina dos Homens Maus”. Seu nome no Brasil é sinônimo de “Sessão da Tarde”, já que marcou presença constante na nossa programação televisiva em filmes como: “A Dupla Explosiva”, “Eu, Você, Ele e os Outros”, que foi rodado no Rio de Janeiro, “Dois Loucos Com Sorte”, “Banana Joe”, “Aladdin”, “Nós Jogamos com os Hipopótamos” e “Dois Tiras Fora de Ordem”, além de “Trinity é o Meu Nome”, que considero o melhor trabalho da dupla. 

Grande parte de sua filmografia se mantém num lugar cativo em minha memória afetiva, mas apenas esse projeto dirigido por Enzo Barboni sobreviveu efetivamente ao teste do tempo, sem o fator da nostalgia que embeleza tudo o que toca. O sucesso dessa comédia salvou a indústria italiana de cinema, mas também fez com que o gênero spaghetti western nunca mais fosse levado a sério. É interessante ressaltar que originalmente o projeto seria um convencional bang-bang, mas o roteiro não agradava ninguém, então o diretor retirou um terceiro protagonista, seguindo um conselho de Spencer, e focou sua atenção na dupla, com liberdade pra avacalhar o que parecia ser uma tragédia financeira anunciada. Spencer também foi o responsável pela ideia de enfatizar comicamente a diferença física dos dois protagonistas, transformando-os em irmãos. A trama traz referências de “Os Brutos Também Amam”, “Sete Noivas Para Sete Irmãos”, “Caravana de Bravos” e até mesmo de “Os Sete Samurais”.

Ao som da excelente canção-tema composta por Franco Micalizzi, somos apresentados ao esfarrapado Trinity (Hill), confortavelmente arrastado por seu cavalo em uma liteira improvisada, pés descalços, aba do chapéu protegendo da luz do sol, o extremo oposto da figura heroica que os faroestes eternizaram no inconsciente coletivo do público. O prato de feijão que ele devora como um animal esfomeado na taberna, viraria um símbolo do personagem e o título do subgênero: fagioli (feijão) western. O sorriso debochado ao escutar que é conhecido como o mais rápido gatilho do Velho Oeste, seguido por uma escrachada demonstração, atirando displicentemente pra trás e sem olhar para o alvo, a desconstrução inteligente de uma fórmula que já estava desgastada. O seu irmão Bambino, o novo xerife da cidade, um gigante abrutalhado e gentil vivido por Spencer, nomeado por Trinity como “mão esquerda do diabo”, lê o seu jornal tranquilamente enquanto um trio de malfeitores estereotipados o ameaça, uma composição visual que coloca literalmente em confronto o clássico e a paródia. A história é simples, a marca registrada do filme são as longas pancadarias em grupo coreografadas pelos mais experientes dublês italianos, aquele estrondoso tapa de mão aberta que induz ao riso imediato, uma característica quase circense que o povo brasileiro identificou como similar às peripécias dos Trapalhões. 

Com o falecimento de Bud Spencer, morre mais um pedaço importante da minha infância. Que o seu legado artístico siga divertindo as próximas gerações. Que nunca nos esqueçamos...

"Debi e Lóide - Dois Idiotas em Apuros" e "Debi e Lóide 2", de Peter e Bobby Farrelly

Debi e Lóide – Dois Idiotas em Apuros (Dumb and Dumber – 1994)

Debi e Lóide 2 (Dumb and Dumber To – 2014)

Nada é mais difícil que fazer rir, dar uma boa gargalhada então, mais difícil ainda! Exatamente por isso o gênero da comédia sempre foi menosprezado pela crítica e os seus gênios nunca recebem o aval de premiações. Uma comédia de qualidade requer talento, sensibilidade no timing, um instinto específico para desafiar as expectativas e uma boa dose de carisma. Como não ousam enfrentar esses artistas, um esforço é feito na intenção de minimizar seus trabalhos, marginalizando o humor como arte menor, normalmente elevando dramas umbilicais modorrentos à posição de destaque intelectual, com seus defensores formando uma espécie de maçonaria de medíocres prolixos, abusando de chavões batidos como: “não é um filme para todo mundo”. E, sem pensar duas vezes, troco qualquer exercício pretensioso desses diretores por uma tarde divertida vendo “Debi e Lóide”.

O filme de Peter e Bobby Farrelly é primoroso em sua capacidade maravilhosa de desprezar todos os elementos narrativos que garantiriam a respeitabilidade dramática de sua trama, que envolve um caso de sequestro em que o processo da entrega da mala com o dinheiro do resgate é interrompido por uma pessoa alheia ao ocorrido. O homem comum que se vê inserido em uma situação perigosa, como nos melhores suspenses de Hitchcock, passa a ser então perseguido pelos criminosos. Mas quando esse homem comum é interpretado por Jim Carrey, no auge de sua carreira, somos presenteados com um road movie de ritmo implacável e movido por suas caretas, o deboche com a formalidade ritualística que aprendemos desde cedo a respeitar. Ao invadir a casa dele, o gângster afirma ser um desperdício destruir o local como forma de ameaça, já que, bagunçado como está, o dono sequer perceberia alguma modificação. Quando o herói conquista em seus sonhos o carinho da mocinha, belíssima Lauren Holly, ele faz questão de satisfazer o voyeurismo natural dos cinéfilos levantando rapidamente a saia dela. O estilo sem polimento dos diretores cai como luva nessa desconstrução, unindo o humor mais grosseiro, simbolizado no primeiro filme pelo periquito sem cabeça vendido para uma criança cega, com a pureza ingênua das anedotas que escutamos na infância. O toque mais esperto nos dois filmes é fugir da armadilha melodramática abraçada por boa parte das comédias de sua época, uma inconsciente maneira do roteiro tentar se desculpar por ser engraçado e conquistar apreço dos pseudointelectuais que, na necessidade constante de autoafirmação, cospem naquilo que é popular. Os irmãos Farrelly, analisando o conjunto de obra, demonstram orgulho e segurança em seu ofício. E estão bem acompanhados, já que tanto o personagem vivido por Jeff Daniels, o melhor amigo e parceiro de pegadinhas, como o próprio Carrey, em seus cortes de cabelo exóticos nos remetem aos Três Patetas, representantes dessa graciosa irresponsabilidade cômica.

Acho curiosa a recepção negativa com o reencontro da dupla em “Debi e Lóide 2”, vinte anos depois, uma celebração muito pedida pelos fãs do original. O que os críticos esperavam? Muito se escreveu sobre a atitude dos protagonistas, praticando as pegadinhas mais escatológicas. É a evolução natural, atualizada para o humor que é atraente na sociedade hoje, basta você analisar o tipo de brincadeira que faz sucesso na internet, gente que ganha dinheiro comendo baratas e se machucando, a tolice hilária de youtubers como os Irmãos Piologo, toda essa geração que cresceu com Jackass e Pânico. Se você considera o humor dessa sequência menos inteligente, olhe com mais atenção o mundo à sua volta. Não podemos culpar o carteiro pelo conteúdo da carta, nem o espelho pelo reflexo que nele enxergamos. Temos a reutilização de gags, o rápido passeio no icônico carro-cachorro e o terceiro ato agitado que homenageia a estrutura das comédias da década de noventa, em que qualquer história conduzia a uma correria desenfreada em bobas cenas de ação bagunçadas, herança dos clássicos no gênero da década de sessenta, como “O Que é Que Há, Gatinha?” e “Deu a Louca no Mundo”. Os diretores dessa vez demonstram ainda menos apego narrativo, transformando tudo em uma grande pegadinha, o que simboliza maior segurança no estilo, o que considero um mérito relevante. 

Cine Noir - "Deixai-nos Viver", de John Brahm

Link para os textos do especial (no meio da página):

http://www.devotudoaocinema.com.br/p/berlin-alexanderplatz.html

Deixai-nos Viver (Let Us Live – 1939)

Uma das raízes do ciclo Noir, essa pequena joia dirigida por John Brahm evoca “Vive-se Uma Só Vez”, de Fritz Lang, que havia sido lançado dois anos antes, também protagonizado por Henry Fonda, com uma crítica social sem polimento, brutal, simbolizada na frase dita pela garçonete vivida por Maureen O’Sullivan, ao ver que a desesperança já havia consumido seu noivo, um pobre taxista, às vésperas de sua execução por um crime que não havia cometido, ela afirma que ele era um jovem puro e patriótico que acreditava na justiça e na verdade, antes de ter suas crenças na humanidade destruídas impiedosamente por um sistema judiciário falho. Os policiais e juízes são mostrados como insensíveis encabrestados por uma burocracia impulsiva que parece facilitar o erro. O júri não poderia estar menos interessado em deliberar sobre o caso, todos limitados por uma visão sem tons de cinza, sem qualquer traço de empatia.

O que mais gosto no roteiro é que, apesar do rapaz ser salvo da morte na cadeira elétrica na última hora, não há redenção, não há senso de vitória em seu rosto transformado pela experiência, o seu espírito foi irremediavelmente quebrado, o que retornou às ruas foi um homem cínico e amargurado, provavelmente o criminoso de amanhã. O sistema pegou uma alma boa e devolveu para a sociedade um farrapo humano. A fotografia de Lucien Ballard capta com perfeição essa mudança de atitude, compondo a atmosfera opressora representada pelas sombras que passam a ocultar com frequência parte do rosto do protagonista. Fonda retornaria ao mesmo tema em "O Homem Errado", dirigido por Hitchcock em 1956. O'Sullivan peca por uma atuação dois tons acima, o ponto fraco do projeto, mas nada que prejudique o resultado. Dá pra sentir a influência visual dessa obra em filmes como "Fúria Sanguinária" e até mesmo "Eraserhead", de David Lynch.

* O filme está sendo lançado em DVD pela distribuidora “Studio Classic Filmes”.

"Raça", de Stephen Hopkins

Raça (Race - 2016)

Stephen Hopkins é um diretor que tem suas raízes no gênero do terror, chamou alguma atenção pela ousadia em “Dangerous Game”, sendo alçado ao mainstream com o injustamente subestimado “A Hora do Pesadelo 5 – O Maior Horror de Freddy”, que merece crédito por ter conseguido resgatar os elementos sombrios de uma franquia que havia se tornado uma grande bobagem. O projeto fracassou nas bilheterias, mas os produtores apostaram nele pra comandar “Predador 2 – A Caçada Continua”. Ele voltaria a ter algum destaque no bom “A Sombra e a Escuridão” e no fraco “Perdidos no Espaço: O Filme”. Ele já havia trabalhado em uma decepcionante cinebiografia, “A Vida e Morte de Peter Sellers”, onde nem mesmo a competência de Geoffrey Rush conseguiu salvar o pobre roteiro, mas é impressionante a evolução dele em “Raça”, ainda que não reinvente a roda estruturalmente, a narrativa é convencional, mas a execução é correta. Sobre a vida do atleta Jesse Owens, eu recomendo o telefilme “The Jesse Owens Story”, de 1984, superior em alguns aspectos. E, claro, o documentário “Olympia”, de Leni Riefenstahl, sessão obrigatória para qualquer cinéfilo dedicado.

Como introdução básica à história para o grande público, o filme de Hopkins funciona muito bem, fortalecido pelo carisma do protagonista, vivido por Stephan James. Owens abalou as convicções de Hitler nos jogos olímpicos de 1936, um talento natural que só poderia ser ativado por um caráter inabalável, uma lacuna que é preenchida na trama com a relação de cumplicidade que se forma entre ele e seu técnico, vivido por Jason Sudeikis, numa caracterização muito simpática que facilita ainda mais o investimento emocional do espectador. Enquanto o foco está direcionado à vida do homenageado, todas as decisões são bem sucedidas, o racismo sofrido no próprio seio familiar, o preconceito de seus colegas e até mesmo a inescapável subtrama romântica, tudo soa crível e ajuda a estabelecer a tensão necessária para a catarse do terceiro ato. O problema começa na composição superficial dos antagonistas no roteiro de Joe Shrapnel e Anna Waterhouse, na maneira simplória com que aborda o conflito político e social, atitude que seria compreensível em um comportado telefilme da década de noventa, mas que incomoda em um projeto tão promissor. O ritmo também se perde no segundo ato, já que é sustentado por coadjuvantes unidimensionais. O tratamento envernizado do caso como apenas uma bonita história de superação no esporte por um underdog, nos dias de hoje, chega a ser revoltante. Até a trilha sonora de Rachel Portman parece mais apropriada para algo tematicamente leve como “Jamaica Abaixo de Zero”, do que para um drama que ocorre às vésperas do Holocausto nazista.

É uma pena que pouca atenção seja dada à figura de Riefenstahl, que estava acostumada a utilizar o cinema como propaganda e viu-se pela primeira vez com um desafio. Diferente das obras anteriores, em que tudo era controlado pelo comando militar alemão e o próprio Fuhrer, dessa vez suas câmeras iriam documentar um evento livre de qualquer controle, uma celebração de âmbito internacional onde os resultados dependeriam apenas dos atletas. Há uma boa cena dela interagindo com Owens, mas é escrita com mão pesada, com mais interesse no exótico da situação, do que no conflito ideológico. Talvez a escolha mais acertada tenha sido não se esquivar do tratamento rude que o atleta continuou recebendo em sua própria nação após a competição, algo mais coerente com a história real, onde o próprio Owens afirmou que havia sido esnobado por Roosevelt, não por Hitler. 

Cine Bueller - "Jasão e o Velo de Ouro", de Don Chaffey

Link para os textos anteriores do especial:

http://www.devotudoaocinema.com.br/p/cine-bueller.html

Jasão e o Velo de Ouro (Jason and the Argonauts – 1963)

Na Grécia antiga, Jasão (Todd Armstrong), no intuito de retomar o trono do reino de Tessália, que lhe é devido por nascimento, parte em busca do Velo de Ouro, o símbolo de que os deuses não abandonaram a cidade. Assim, ele parte em busca de uma equipe corajosa o suficiente para acompanhá-lo em sua missão. 

A trama desse clássico dirigido por Don Chaffey é simples, uma aventura infanto-juvenil defendida por um elenco mediano, com um desfecho em aberto, indicando uma sequência que nunca foi filmada. Sem o elemento Ray Harryhausen nessa equação, provavelmente não seria lembrada pelo público moderno. A técnica de stop motion já era utilizada pelo cinema desde 1898, em “The Humpty Dumpty Circus”, com uma loja onde brinquedos ganhavam vida. Willis O’Brien elevou o nível em “King Kong”, de 1933, mas foi um de seus alunos, Harryhausen, o responsável por aprimorar o efeito a ponto de possibilitar que a indústria ultrapassasse literalmente qualquer fronteira criativa, transformando o recurso em uma ferramenta essencial, inspirando toda uma geração de cineastas, como Tim Burton, Steven Spielberg, Peter Jackson e John Landis. O momento mais lembrado do filme, a batalha contra os esqueletos nascidos dos dentes da hidra, cinco minutos fantásticos que foram homenageados até por Sam Raimi em “Army of Darkness”, foi um divisor de águas em sua época com suas trinta e cinco animações sincronizadas aos movimentos dos atores, o que tomou quase cinco meses de trabalho, mas minha contraparte infantil ficava impressionada na sequência em que o deus marinho Tritão, na força bruta, facilita a passagem da embarcação de Jasão. O gigante de bronze, a hidra e as harpias, estão entre as melhores criações da equipe de Harryhausen.

Esse fazia parte do catálogo mais antigo que passava na "Sessão da Tarde" em meados da década de oitenta, o tipo de história rápida e divertida que combinava perfeitamente com o acompanhamento obrigatório, refrigerante no copo de plástico dos Trapalhões e um prato colorido cheio de salgadinhos da Elma Chips. Ignorando completamente sua importância histórica, eu ficava sonhando em encontrar um Velo de Ouro, olhando para a janela do quarto e imaginando como seria incrível se o gigante Talos atravessasse a rua em frente, com a plena consciência de que a hidra iria perturbar meus pesadelos. A força daquelas imagens, emolduradas pela ótima trilha sonora de Bernard Herrmann, só foram superadas quando eu tive meu primeiro contato com os dinossauros de Spielberg. 

* O filme está sendo lançado em DVD pela distribuidora “Classicline”, em exclusividade com a Livraria Cultura.

Sobre o caso do estupro coletivo...

Nada justifica um estupro. Uma frase tola, óbvia, mas que ainda encontra opositores em uma sociedade estupidamente machista como a nossa, onde o analfabetismo funcional é uma realidade até mesmo entre adultos com curso superior. O único contra-argumento aceitável é aquele que questiona se o caso foi realmente um estupro, ou algo que teria iniciado como uma orgia consensual, em que o crime teria sido o ato de divulgar as imagens. E existem rumores que sustentam esse contra-argumento, fotos e testemunhos que sinalizam uma atitude excessivamente promíscua da menina, que teve filho aos doze anos e que já estaria acostumada a se relacionar sexualmente com grupos de sua comunidade. O caso é que as imagens tomaram a internet de assalto, ocasionando até mesmo uma discussão sobre o que chamam de cultura do estupro, com direito a campanha com fotos personalizadas nas redes sociais.

O que vejo, como sempre digo, é o resultado de um total desinteresse de grande parte dos brasileiros pelo autoaprimoramento constante, um desprezo acachapante pelo “ser”, uma busca desesperada pelo “parecer ser”. O governo com sua década de discursos populistas ajudou nessa falácia, estimulando o indivíduo pobre a acumular dívidas para ter sempre o smartphone da moda, relógio de ouro e o tênis mais caro, símbolos equivocados de um utópico fim da desigualdade social, ao invés de estimular que ele procurasse ler mais, para que se expressasse melhor e, por conseguinte, fosse mais respeitado como cidadão. Qual governo realmente se interessa em formar um eleitorado inteligente, ainda mais quando o voto é absurdamente compulsório?

Na realidade triste dessa adolescente do caso que cito, o ídolo é o dono da boca do tráfico, o descolado é tirar foto segurando metralhadora e fazendo biquinho sensual, livro não serve nem como porta-copo, a língua que se fala é um dialeto empobrecido que pouco tem a ver com o português, o som que rola é funk carioca no volume mais alto, durante a madrugada, sem respeito pelos vizinhos, com letras que celebram violência, pedofilia e sexo da forma mais vulgar, o barato de fim de baile é contabilizar coitos. Quando a patricinha tonta festeja sua formatura dançando até o chão com esse barulho ritmado (eu me recuso a chamar de música), com letras suavizadas para o público externo, ela está aplaudindo inconscientemente essa mediocridade cultural, dignificando a pobreza de espírito.

O que ocorre no Brasil é uma sexualização precoce promovida por todas as mídias, nós somos conhecidos mundialmente por isso, o gringo visita nossas terras pra apreciar nossas mulatas, somos a rota preferencial para turismo sexual. Não devemos apenas nos envergonhar profundamente disso, mas, também, procurar remar contra essa corrente. Como? Primeiro passo: estimular a parentalidade responsável, especialmente nas comunidades carentes, o entendimento de que um filho não pode ser apenas a satisfação de um egoísta capricho emocional. Segundo passo: resgatar valores elegantes, ensinar diariamente pelo exemplo, buscar a coerência no discurso, propagar na vida real e na virtual um respeito pelo próximo, um cuidado carinhoso com o que se diz e o que se posta. Terceiro passo: valorizar a memória cultural, em todas as suas vertentes, o apreço pelo passado, para que possamos entender melhor o presente e projetar um futuro que nos orgulhe. Quarto passo: ao invés de comprar uma bola de futebol e uma camiseta do time para o filho pequeno, uma espécie de padrão nacional, compre livros, leve ele ao teatro infantil e faça sessões de filmes em casa. A cultura conforta e traz segurança, incentiva e ensina um leão a disciplinar seu rosnado. Quinto passo: a criança inicia imitando o que ela vê, então dê o exemplo, escute música de qualidade em casa, evite brigas matrimoniais em sua presença, leia com frequência, para que a criança veja o livro como um amigo de aventuras, enfim, aja como um adulto responsável que se preocupa com o autoaprimoramento constante. Dito isso, uma coisa é certa, mudar a foto do perfil na rede social pra campanha da moda não ajuda em nada.

Com relação ao caso midiático que originou esse texto, acredito que a real cultura que deve ser exterminada é a da impunidade. Se a garota foi dopada e foi vítima de um estupro coletivo, que todos os rapazes sejam punidos da forma mais severa possível. Se ela estava chapada por vontade própria e conscientemente participando de uma orgia, que os rapazes que cometeram o crime de divulgação das imagens sejam punidos da forma mais severa possível. O mais importante é que o caso suscitou uma reflexão importante, que não pode ser esquecida em alguns dias, como sempre ocorre com esses rompantes de consciência do brasileiro. Muitas das soluções para os absurdos mais vergonhosos em nossa sociedade estão em simples mudanças de conduta. A submissão da mulher começa muitas vezes no seio familiar, com a própria mãe ensinando que a filha deve limpar a casa e ser sustentada no futuro pelo marido. O próprio ritual do casamento católico já é alimentado em sua essência pelo machismo, Eva foi causadora de todos os males. A objetificação da mulher é estimulada no axé e no funk que os pais aplaudem sorridentes, o vídeo da menina dançando “pega no peitinho, pega na bundinha”. O Brasil não é vitimado pela cultura do estupro, como ocorre com os países islâmicos, onde o crime não pode ser provado a não ser que quatro homens deponham como testemunhas, a nossa nação é vitimada pela cultura da imbecilização.

A vergonhosa arte de cometer novamente os erros de ontem

Sobre o protesto da equipe do filme nacional em Cannes? Em uma democracia, o direito de protestar é inalienável sobre qualquer tema, ainda que você não concorde com os argumentos. É errado boicotar o filme, como tenho lido em algumas postagens nas redes sociais. A obra não pode ser prejudicada pela ideologia política de sua equipe. Se eu concordo com os argumentos? O “golpe” é uma falácia tão intelectualmente desonesta que custo a acreditar que adultos alfabetizados estão repetindo esse mantra por sincera ideologia. Na melhor das hipóteses, estão praticando uma impressionante dissonância cognitiva. Como estratégia no jogo político, essa técnica simplória de indução/influência utilizando uma palavra chave que é repetida exaustivamente, algo que qualquer estudante do primeiro período de publicidade aprende, pode até surtir algum efeito imediatista, mas está fadada ao descrédito em longo prazo. A mentira nunca granjeia respeito.

O texto acima eu postei nas redes sociais nesse final de semana, um posicionamento que foi abraçado pela maioria dos amigos virtuais, mas que também rendeu comentários contrários à ideia de que era errado boicotar o filme. Como respondi lá, não podemos revidar aquilo que consideramos errado com outra postura tão errônea quanto. É algo óbvio, parece sermão de tia da pré-escola, mas não poderia estar mais perto da verdade. Na história do cinema, para me ater à mesma mídia do caso citado, muitos dos melhores filmes que você já viu e se orgulha de citar como seus favoritos, foram dirigidos por pessoas que você não cogitaria convidar pra sua festa de aniversário.

Elia Kazan, quando foi homenageado na premiação da Academia de Hollywood, uma boa parte dos membros da plateia, colegas de profissão, fez questão de não aplaudir o diretor como forma de protesto. Alguns, como Richard Dreyfuss e Sean Penn, escreveram uma nota de repúdio na imprensa. O pai de Penn foi uma das vítimas do erro crasso cometido outrora por Kazan, ele foi um dos perseguidos pela lista negra do macartismo, iniciado pelo senador Joseph McCarthy, uma caça às bruxas contra os comunistas na indústria. Caso o artista tivesse condutas consideradas simpáticas ao comunismo, ainda que não fosse de fato comunista, ele já entrava no radar como um suspeito, o que já garantia boicotes e falsos rumores cruéis com o intuito de destruir a carreira e quebrar o espírito desses artistas. Muitos se suicidaram, já que não conseguiam emprego, outros precisaram assinar produções com nomes falsos, em suma, foi um dos momentos históricos mais vergonhosos da trajetória humana. Chaplin, por exemplo, um dos perseguidos, teve que se exilar na Suíça. E qual o papel de Kazan nisso? Ele foi um dos delatores mais dedicados. Mas devemos então odiar obras-primas dele, como: “Uma Rua Chamada Pecado”, “Sindicato de Ladrões” e “Um Rosto na Multidão”? Quer outro nome mais popular? Walt Disney. Você vai negar o brilhantismo de suas animações, ou vai boicotar “Branca de Neve e os Sete Anões” e “Pinóquio” na vida de seus filhos pequenos?

O pensamento lúcido, como sempre afirmo, é a única solução em longo prazo para o povo brasileiro. A obra não pode ser prejudicada pelas atitudes pessoais e pela ideologia política/religiosa de seus artistas. É preciso separar o homem de sua arte. Christian Bale é considerado um cara grosseiro, quase insuportável com seus colegas, mas não é justo negar seu talento em sua função. Hitchcock não deixou boas lembranças para Tippi Hedren, protagonista de “Os Pássaros”, ele foi considerado um carrasco por quase todas as atrizes de seus filmes, com acusações até de assédio sexual, mas seria um absurdo negar seu talento como mestre do suspense. Até mesmo você, que me lê nesse momento e se achava imune a qualquer questionamento, pode ser um crápula hipócrita para sua família e amigos, mas não gostaria de ter seu trabalho, pelo qual se dedica tanto, desprestigiado publicamente por causa dessa conduta pessoal. 

Quando você adota a lucidez como cajado inseparável no seu dia a dia, passa a enxergar todas as questões de forma diferente, passa a perceber os tons de cinza em cenários que antes eram marcados por conflitos extremistas, passa a valorizar mais a interpretação de texto, ao invés de passar os olhos rapidamente numa leitura diagonal que, acima de tudo, desrespeita a quem escreve. Não é o seu caso, caro leitor, querida leitora, mas é usual que eu tenha a necessidade de preparar o texto, com o cuidado de ser o mais claro possível na retórica, sabendo que terei que explicar depois o conteúdo dele, já que boa parte dos leitores dessa geração whatsapp parece ler pulando linhas, procurando apenas acolhimento ideológico ou buscando motivos para extravasar a raiva.

Segure firme no cajado da lucidez, estude, entenda a importância do contra-argumento respeitoso e boicote a própria língua (ou os dedos) antes de agredir outrem. Posso não concordar veementemente com os argumentos do diretor Kleber Mendonça Filho sobre a questão do “golpe”, como deixei claro no parágrafo inicial, posso ter achado equivocado o protesto, mas ele exerceu seu direito de protestar, admiro sua arte, aplaudo-o como cineasta. “O Som ao Redor”, seu projeto de 2012, entrou em minha lista dos dez melhores filmes no ano. Ainda não vi “Aquarius”, mas farei a crítica na semana de sua estreia nos cinemas brasileiros.

"Memórias Póstumas", de André Klotzel

Esbarrei em Joaquim Maria Machado de Assis como qualquer pré-adolescente brasileiro, nos pouco confortáveis bancos escolares, exatamente o pior lugar para se entrar em contato com o escritor. Professores de hoje ainda incorrem no mesmo erro: pedir que crianças se interessem pelo hábito fascinante da leitura com a ajuda de Machado de Assis. Visto que a obrigação por si só já é um obstáculo enorme à sede de conhecimento, adicione a essa desastrada equação uma indesculpável preguiça pedagógica passada de geração a geração. Apenas com a ajuda de um professor apaixonado em exercer sua vocação essa opção literária pode ter alguma chance de funcionar. A literatura de Assis é brilhante, mas completamente desinteressante para uma mente ainda em formação. Além de sua estrutura densa, possui um linguajar antigo que acaba tornando a obra um diamante ainda incrustado em uma rocha, cuja lapidação somente será realizada por mentes maduras. A criança irá formular um pré-conceito de que se trata de uma experiência chata, quando na realidade foi-lhe oferecida uma piscina olímpica, enquanto ela mal havia aprendido a boiar. Como eu já era um ávido leitor na infância, não me incomodou esse primeiro contato com o autor, mas somente viria a realmente entender suas tramas quando as reli anos depois. Hoje, considero-o um dos maiores gênios da literatura mundial, incrivelmente à frente de seu tempo, com um senso de humor que continua atual e surpreendentemente ousado.

Com “Memórias Póstumas” (2001), o criativo diretor André Klotzel, que depois viria a realizar o experimental “Reflexões de um Liquidificador”, acerta ao abraçar estruturalmente a linguagem utilizada pelo escritor no maravilhoso “Memórias Póstumas de Brás Cubas” (1881), o meu favorito do autor. Júlio Bressane havia dirigido uma adaptação inferior em 1985 (“Brás Cubas”), mas Klotzel realizou o que acredito ser a definitiva versão da obra para a linguagem cinematográfica, com excelente timing cômico e atuações precisas, com destaque para o minimalismo fascinante de Sônia Braga e um Reginaldo Faria estupendo como o protagonista em sua fase adulta. O rompimento com a narração linear da época é bem explorado, com soluções inteligentes para a inclusão do personagem, seguindo fielmente o livro, inclusive nos diálogos, talvez o único ponto fraco, pois não soam naturais. O protagonista fala diretamente com o público, exatamente como no livro, estabelecendo uma relação de cumplicidade similar àquela que existia entre o escritor e seus leitores. Alguns personagens e situações são cortados da trama, como Cotrim e a irmã do protagonista, assim como o reencontro com Eulália ao final da vida, favorecendo maior dinamismo e um ritmo mais fluente e condizente com a linguagem cinematográfica. Um ponto negativo é a equivocada utilização do importante personagem Quincas Borba, que no livro é essencial na evolução de Brás Cubas, limitado a ser um alívio cômico descartável. E para quem gosta do livro, recomendo que veja "Memórias Póstumas" em sessão dupla com uma pérola do cinema nacional que poucos conhecem, "Viagem ao Fim do Mundo", dirigido por Fernando Cony Campos em 1968, que usa como inspiração em algumas sequências os capítulos: "O Delírio" e "O Sermão do Livro".  

Machado tinha em mente leitores participativos, que questionassem cada enxuto capítulo, utilizando os espaços vazios e o subtexto como terreno fértil para sua imaginação. Enquanto grande parte da literatura empreende páginas preciosas aos detalhes na mobília da casa dos personagens, por exemplo, entregando um livro para colorir já preenchido aos leitores, nosso aniversariante de hoje recusava-se a instigar a preguiça intelectual naqueles que lhe dedicassem atenção. Ler suas páginas é acompanhá-lo, ser cúmplice de seus pontos de vista e perceber-se imprescindível nessa experiência, ele se comunica diretamente com quem o lê. Muitos escritores tratam seu público como um chefe a um empregado, mas Machado de Assis acolhe-o como um convidado de honra em sua casa.

A Arte de Seijun Suzuki

Com a ascensão da televisão no início da década de sessenta, toda a indústria de cinema sofreu um abalo, com os produtores buscando formas de atrair o público. Shintoho, um dos seis grandes estúdios japoneses, não aguentou a crise e abriu falência. A Toei apostou na desconstrução dos mitos com roteiros que abordavam a yakuza de forma mais violenta e cínica. A Toho conseguiu sobrevida focando na ficção científica, com Godzilla e outros monstros. Já a Nikkatsu arriscou com jovens diretores autorais, que tinham um estilo bem ousado, como Seijun Suzuki, ainda que ele tenha sido despedido alguns anos depois por realizar projetos considerados ousados demais na visão dos seus superiores. Ele, com sua rebeldia elegante ao desprezar seguir moldes narrativos, fez parte da chamada "Nova Onda" japonesa, cineastas que, assim como os franceses do mesmo período, faziam uso de novas técnicas, abusando de edição e enquadramentos antagônicos à tradição dos mestres de outrora, explorando temas espinhosos, criando alegorias críticas da sociedade do pós-guerra.

Tóquio Violenta (Tokyo Nagaremono – 1966)

Braço direito da Yakuza resolve abandonar a carreira criminosa com seu chefe, mas uma gangue rival não deixará que isso aconteça.

Em "Tóquio Violenta", você percebe claramente que Suzuki obedecia regras próprias, uma espécie de Monte Hellman do cinema japonês. Ele transforma uma história simples de yakuza, subvertida em tom óbvio de paródia do gênero, em uma profusão de ideias muito criativas, buscando inspiração até mesmo nos faroestes de John Ford, reservando espaço para uma crítica ácida sobre um povo que absorvia gradativamente a cultura norte-americana, em detrimento de seus próprios valores. Na experiência de imersão ele provoca o incômodo imediato, sequências de musical inseridas numa trama policial, a abertura monocromática que conduz ao vermelho sangue de um revólver quebrado de brinquedo, os interiores de um abstrato quase inacreditável em seu minimalismo, um tiroteio que é coreografado como teatro kabuki, o uso extravagante de cores berrantes, não são poucas as cenas que farão você provavelmente querer pausar o DVD e rever. O todo não interessa ao Suzuki, o fiapo de estrutura narrativa serve de trampolim para ele brincar com a ferramenta, a psicologia dos personagens e suas motivações, nada disso importa, o destino sempre é menos interessante que a jornada. Recomendo que seja visto em sessão dupla com o moderno "Drive", de Nicolas Winding Refn, que bebeu demais dessa fonte. 

História de Uma Prostituta (Shunpu Den – 1965)

Uma prostituta é humilhada por um oficial. Ela resolve se vingar, usando um soldado para provocar ciúmes no oficial.

Pode causar estranheza por ser o filme menos estilizado da caixa, a refilmagem de um projeto roteirizado por Akira Kurosawa no início da década de cinquenta, um melodrama antiguerra mais convencional, mas não menos brilhante, que foca sua atenção em uma protagonista cujas ações simbolizam a rejeição dos valores sociais, expondo a hipocrisia por trás dos rituais tradicionais, uma temática que se aproxima muito dos trabalhos de Mizoguchi. É interessante perceber que a harmonia do casal, a prostituta e o soldado, encontra resistência na incapacidade dele de ir contra o absurdo código de conduta militar, alicerçado em um sentido muito equivocado de honra. A bela fotografia em preto e branco impressiona em sequências que carregam o traço autoral de Suzuki, como quando a mulher corre pelo campo de batalha para se encontrar com o amante ferido, ou no interlúdio onírico em que ela enxerga o soldado a caminho de sua salvação, em câmera lenta. O filme é a adaptação de um livro de Taijiro Tamura, mesmo autor de "Portal da Carne", e o roteiro trabalha muito bem a filosofia dele de que o corpo é tudo o que há, o que conduz a protagonista à compreensão de que somente através do prazer consequente do contato físico, através das sensações despertadas pelo sexo, ela pode realmente conhecer um indivíduo. 

A Vida de Um Tatuado (Irezumi Ichidai – 1965)

Dois irmãos yakuza tentam ter uma vida honesta numa cidadezinha do interior, mas não conseguem fugir do passado criminoso.

Uma das maiores inspirações para o "Kill Bill", de Tarantino. É o que normalmente se escreve quando se aborda esse filme, que é o meu favorito do diretor. Tremenda injustiça, reduzir essa espetacular obra-prima à posição de influenciadora de um projeto menor, ainda que popular e divertido. Sem revelar muito sobre a trama, para não prejudicar a experiência daqueles que irão conhecê-la na caixa, foi a primeira vez que Suzuki recebeu um alerta de seus superiores sobre ter ido longe demais em seu estilo, o que, por si só, já seria motivo suficiente pra despertar o seu interesse e fazer com que redobre a atenção especialmente em seu magnífico desfecho. A história incita investimento emocional, algo que não é usual na filmografia dele, por isso considero um excelente ponto de partida. O segundo ato tem um ritmo inteligentemente mais lento, exatamente para estabelecer com cuidado a relação entre os irmãos, especialmente suas motivações antagônicas, o que favorece a catarse psicodélica que ocorre no terceiro ato. Sobra espaço no roteiro até mesmo para uma subtrama romântica. "A Vida de Um Tatuado" mostra Suzuki dominando o equilíbrio perfeito entre suas invencionices autorais e a necessidade de entregar um produto de valor comercial.

Portal da Carne (Nikutai no Mon – 1964)

Após a Segunda Guerra, nas favelas de Tóquio, algumas prostitutas adotam um código estrito de conduta. 

O nível de degradação moral segue impactante como na época de sua estreia, acompanhando a rotina de um coletivo de personagens destituídos de qualquer senso de empatia no cenário deprimente do pós-guerra. Os ritos sadomasoquistas de punição para aquela que se deitar com alguém por amor, erotismo transgressor, são os responsáveis por manter alguma espécie de ordem social no decrépito esconderijo bombardeado das prostitutas. O veterano de guerra que invade o local e acaba ganhando a simpatia das mulheres, decepcionado em alto grau com a condição humana, já que viveu um período anterior mais civilizado, decide viver apenas estimulado pelos instintos primitivos básicos da fome e do sexo. A viúva que veste quimono, a única no local que também conheceu uma época mais digna, sendo forçada a vender seu corpo para sobreviver, sonhando com alguém que a possibilite a liberdade pelo casamento, acaba permitindo que um estranho gentil fique sem pagar, o que causa a revolta das colegas. Nesses dois personagens fascinantes, os resíduos de outrora travam conflito constante com a realidade opressora e desesperançada. Na utilização de efeitos de superimposição e no uso das cores berrantes, traduzindo a personalidade distinta de cada uma das prostitutas, você percebe a característica inventividade do diretor, dessa vez, mais interessado em contar sua história, do que em utilizar ela como desculpa para suas experimentações visuais.

* Os filmes estão sendo lançados em DVD, inéditas versões restauradas, pela distribuidora "Versátil", com a curadoria sempre competente de Fernando Brito, na caixa "A Arte de Seijun Suzuki", que conta também com ótimas entrevistas com o diretor e membros da equipe sobre todas as obras.

Faces do Medo - "Invocação do Mal 2", de James Wan

Invocação do Mal 2 (The Conjuring 2 - 2016)

O primeiro filme entrou em minha lista dos dez melhores em seu ano, considero James Wan um dos melhores diretores de sua geração, um talento que consegue trabalhar de forma autoral com os gêneros, mas alimentado por um respeito profundo pelo passado. Não há nada de novo, além de uma abordagem empolgada de alguém que verdadeiramente compreende as engrenagens do estilo, uma técnica pulsante que utiliza generosamente os ângulos inclinados como forma de realçar o desconforto no espectador, abraçada por um senso de ritmo invejável.

Em uma indústria que despeja obras de péssima qualidade, “Invocação do Mal 2” dá ao público moderno um gostinho de como era viver a época de ouro do cinema de terror pensado para adultos. É uma experiência rara ser conduzido por um artesão inteligente que utiliza de vários recursos sensoriais, com o impecável reforço da trilha sonora de Joseph Bishara, para te fazer investir emocionalmente em um roteiro baseado em uma história real altamente questionável. A faixa “As Close as Hell”, com o coral perturbador em gradativo desespero sônico, já define logo de início a atitude séria com que trata o tema, o grande diferencial de um bom horror. Os sustos são frequentes, mas o mérito maior está na construção de clima. O caso das irmãs Hodgson, ocorrido na década de setenta, fascina especialmente por ter sido registrado em vídeo, com a pequena Janet alternando em uma entrevista a sua voz infantil com trechos onde ela se torna rouca e intensamente grave. É um prato cheio que Wan potencializa com esmero ao reencenar o evento. O lar destroçado é fotografado em tons esmaecidos, salientando a pobreza da família e insinuando, num toque corajoso, razões psicológicas que possibilitariam o extravasamento emocional teatralizado por necessidade de atenção.

O que facilita a imersão no projeto, além da ótima recriação de época, é a vulnerabilidade de Lorraine, vivida por Vera Farmiga, vítima de sua específica sensibilidade. O foco maior dado ao relacionamento do casal de investigadores parapsíquicos, evidenciando em sequências tomadas de ternura o senso de proteção inabalável de um com o outro, nunca resvalando no piegas, engrandece a trama para algo mais do que uma excelente profusão de cenas apavorantes bem executadas. Seria muito fácil para a produção se debruçar na fórmula matadora do anterior, mas o roteiro aceita correr riscos, tentando estabelecer novos totens narrativos nas figuras do “homem torto” e da freira diabólica, substituindo a boneca Annabelle. Se a utilização excessiva de computação gráfica no "homem torto" prejudica o todo, a grande sacada de inserir como leitmotiv a canção símbolo de Elvis Presley: "Can't Help Falling in Love", com função similar à "Edelweiss" no desfecho de "A Noviça Rebelde", a união familiar como salvação para uma situação aparentemente inescapável, redime qualquer falha. 

* A editora "Darkside Books" está lançando "Exorcismo", do jornalista Thomas B. Allen, obra que explora de forma investigativa os acontecimentos que inspiraram o escritor William Peter Blatty a escrever o clássico: "O Exorcista". Nas palavras de Ed e Lorraine Warren: "Um documento fascinante e imparcial sobre a luta diária entre o bem e o mal".

"A Pantera Cor-de-Rosa", de Blake Edwards

Texto sobre “Um Tiro no Escuro”:

http://www.devotudoaocinema.com.br/2015/09/make-em-laugh-um-tiro-no-escuro-de.html

Texto sobre “Um Convidado Bem Trapalhão”:

http://www.devotudoaocinema.com.br/2013/08/make-em-laugh-um-convidado-bem-trapalhao.html

A Pantera Cor-de-Rosa (The Pink Panther – 1963)

O hilariante Inspetor Clouseau, da polícia de Paris, precisa encontrar um ladrão de joias que está mais perto do que ele imagina: o perigoso assaltante é amante de sua esposa, sem que ele nada perceba.

A minha memória afetiva me diz que tive contato com esse filme na infância, numa exibição vespertina na televisão, mas eu realmente me apaixonei pela franquia na adolescência, acompanhando um especial sobre Peter Sellers no canal Telecine, que exibiu diariamente no horário nobre esses clássicos e algumas pérolas pouco conhecidas, como “O Mundo de Henry Orient”. Como de costume, gravei tudo em VHS e ficava revendo as fitas com frequência. Sendo bem sincero, acho que durante um bom tempo eu tive um encontro marcado com o filme todas as tardes, após a escola. Como resistir? Tinha a classuda modelo Capucine, a belíssima Fran Jeffries cantando e dançando sensualmente “Meglio Stasera”, tinha também a Claudia Cardinale, uma das minhas musas na época, além daquela aura especial de charme e elegância que sempre considerei terapêutica, o tipo de obra que se vê com um sorriso permanente no rosto. E antes de me apaixonar pelos filmes, eu já era apaixonado pela trilha sonora de Henry Mancini, que minha mãe escutava em casa, normalmente lembrada apenas pelo tema principal, o que é uma injustiça, o disco todo é impecável. Faixas como “Royal Blue”, “Something for Sellers”, “The Lonely Princess”, “Cortina” e “Piano and Strings” estão entre as melhores composições da carreira do maestro.

O diretor/roteirista Blake Edwards foi apaixonado em sua infância pelas comédias mudas, especialmente por Stan Laurel e Oliver Hardy, uma influência que é perceptível em diversos momentos, como nas gags que ocorrem durante a festa à fantasia, no terceiro ato. Mas uma das cenas mais celebradas pelo público, aquela em que um homem tenta com muita dificuldade atravessar uma rua, foi uma homenagem do diretor a um momento similar no clássico de Hitchcock: “Correspondente Estrangeiro”. Analisando como as continuações aprimoraram a caracterização do inspetor vivido por Sellers, acho fascinante poder visualizar o processo de criação desse gênio. Nesse primeiro, ele fala com sotaque francês, mas não brinca com as palavras. Clouseau foi pensado inicialmente como uma simples curiosidade, um coadjuvante simpático que parodiava o detetive Hercule Poirot, de Agatha Christie. O protagonista era David Niven, como o audacioso ladrão de joias. O caso é que Sellers foi tão brilhante no set de filmagem, que o roteiro ia sendo expandido, abraçando grande parte dos improvisos que ele sugeria, como a cena em que ele derrama leite no corredor. Desde a sua apresentação, escorregando ao girar o globo em seu escritório, ele conquista o carinho do espectador com seu misto de ternura e patetice. O que cativa não é o aspecto pastelão de seus atos, mas a obstinação dele em recusar acusar o erro. Ele se recupera rapidamente das piores gafes, como se nada tivesse acontecido. Com essa criação bastante original, Sellers, que não era a primeira escolha para o personagem, papel que seria de Peter Ustinov, eclipsou todo o elenco e, indo contra as expectativas do próprio diretor, que à época via o projeto como obra única, garantiu o protagonismo em quatro continuações.

A câmera de Blake, assim como nos trabalhos de Ernst Lubitsch, permite que os atores se movam mais nas cenas do que a câmera, como exemplo: a sequência em que a esposa do inspetor se divide entre três amantes em seu quarto, uma coreografia que pode ser tida como lenta pelo público moderno, acostumado com uma edição frenética que disfarça a fraqueza do material trabalhado. O humor prima pela qualidade, mais do que pela quantidade. A situação vai sendo levada num crescendo de pequenos e hilários desastres, culminando em resoluções nada óbvias. No desfecho, manipulado a ser incriminado injustamente como o notório ladrão, Clouseau aceita com alegria essa nova vida cheia de aventura, muito mais interessante que a sua rotina como oficial da lei. Ainda que esse elemento não tenha sido utilizado no filme seguinte, acho uma reviravolta tão boa quanto aquela que ocorre no famoso encerramento de “Quanto Mais Quente Melhor”, de Billy Wilder. 

Conseguirei listar minhas quinze maiores influências literárias?

É comum nas redes sociais a corrente de desafios, sobre os mais variados temas. Sempre fui péssimo nisso, não sou afeito a trivialidades, especialmente quando estão relacionadas às grandes paixões da minha vida: cinema e literatura. Se eu for listar dez livros que marcaram minha vida, preciso escrever as razões das escolhas, não consigo ser direto e breve nesse tipo de questionamento, não consigo abordar esses temas como se fossem superficialidades, em suma, eu levo com muita seriedade a brincadeira. A última vez que tentei, com um desafio que considerei mais criativo que o usual, eu demorei quase uma hora pra fechar o texto. Como ninguém na imediatista rede social vai se interessar em ler uma postagem gigantesca de vários parágrafos, eu prefiro ignorar sempre que me convidam para algo desse tipo. Hoje fui marcado em um desafio para citar minhas quinze maiores influências literárias, listar quinze autores. Que maldade! É como perguntar para um hipocondríaco se ele está se sentindo saudável, todo o corpo começa a ferver, as mãos tremem acima do teclado, a memória afetiva começa a berrar. Então, consciente de que ficarei uma longa madrugada preparando esse texto que você lê nesse momento, tentarei responder ao desafio com a dedicação que o questionamento merece. 

Começo já frustrando você, “pela ordem”, solicitando uma revisão sobre a regra principal do desafio, a impossibilidade de reduzir a apenas quinze nomes praticamente três décadas de profundo amor pela leitura. E as revistas em quadrinhos, nona arte, podem ser incluídas nessa lista? Outro problema: existem livros excelentes e que foram importantes em minha vida, de autores inconstantes, que não entrariam em uma lista de trinta escritores favoritos. Quando o livro é uma influência, até por ajuda de elementos emocionais externos, mas o autor, em seu conjunto de obra, não é um favorito meu, como faço? E, vamos aprofundar a celeuma, essa subjetiva influência literária deve ser em qual sentido? Autores que me influenciaram de forma prática em meu trabalho como escritor, ou autores que me influenciaram de uma maneira mais existencialista, como indivíduo pensante na sociedade? Se eu for incluir os dois tipos, asseguro que será impossível manter a regra de ínfimos quinze nomes. Tomando a liberdade de analisar mais um ponto importante, qual o objetivo da lista? É servir como indicação para possíveis interessados? Se for o caso, vejo mais um problema, alguns autores que me influenciaram tremendamente, nomes até obscuros, eu não consideraria indicar para quem está buscando de forma passional a literatura, eu estaria fazendo um desserviço. Por exemplo, o cineasta húngaro Béla Tarr, fantástico, mas eu não indicaria as quase oito horas de “Satantango” para um cinéfilo iniciante, pra não correr o risco dele ficar traumatizado para o resto da vida, fugindo da sala escura como o diabo foge da cruz. Eu indicaria Frank Capra, Preston Sturges ou Billy Wilder. A lista não é uma indicação? Então qual a função dela? Será que é uma forma da pessoa, que passa o dia inteiro dando atenção para tolices nas redes sociais, fingir pros outros que é alguém que valoriza cultura? Apesar de saber que no Brasil prevalece o interesse em “parecer ser”, em detrimento do precioso “ser”, eu prefiro acreditar que a intenção é indicar bons livros e compartilhar a paixão em comum. 

Quinze autores, vamos lá, vou tentar pensar o menos possível, agir como em um teste de Rorschach, popularmente conhecido como o teste psicológico com borrão de tinta. Regredindo até minha infância, Alan Moore, nunca vou esquecer o impacto de histórias como “Para o Homem Que Tinha Tudo”, ou me esquecer de quando li pela primeira vez uma trama sobre viagem no tempo, um dos meus primeiros livros de adulto, “Operação Cavalo de Tróia”, do jornalista espanhol J.J. Benítez. A magia da obra infantil de Monteiro Lobato, que até hoje me leva às lágrimas quando releio. O encantador clima nostálgico de “Os Meninos da Rua Paulo”, de Ferenc Molnár. As aventuras escritas por Marcos Rey, que eu lia na coleção “Vaga-Lume”. Talvez o livro mais importante na minha vida, “O Conde de Monte Cristo”, de Alexandre Dumas (pai), obra que me motivou a seguir sonhando quando o bullying escolar estava em seu auge. Ah, como eu tentava sempre ser mais esperto que Hercule Poirot e Sherlock Holmes, buscando decifrar os mistérios antes do desfecho, não posso me esquecer de inserir Agatha Christie e Arthur Conan Doyle. Em meu período exploratório sobrenatural na pré-adolescência, devorei tudo que encontrava de Neil Gaiman, Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft e Stephen King. Já temendo o aproximar do ingrato limite numérico, forço a mente a atravessar um buraco de minhoca no espaço-tempo, chegando à minha adolescência. Quantas vezes eu reli “O Exorcista”, de William Peter Blatty, ou “A Volta do Parafuso”, de Henry James? Como apaixonado por cinema, não posso me esquecer de incluir também Woody Allen, cujos livros “Sem Plumas”, “Que Loucura!” e “Cuca Fundida”, durante muitos anos, foram minha santíssima trindade na literatura de humor. Não posso esquecer o impacto desses autores naquele momento da minha vida: Friedrich Nietzsche, Carl Sagan (“O Mundo Assombrado pelos Demônios – A Ciência Vista Como Uma Vela no Escuro” foi um divisor de águas em minha adolescência), Marcel Proust, Franz Kafka, Albert Camus e Fiódor Dostoiévski. Sei que já ultrapassei o limite de quinze nomes, eu deveria parar, mas como não incluir George Orwell e Aldous Huxley? E a emoção que senti ao terminar de ler “Fahrenheit 451”, de Ray Bradbury? É imprescindível que eu inclua Isaac Asimov, a “Trilogia da Fundação” foi meu livro sagrado durante muitos anos. A literatura de ficção científica foi minha formação, assim como a literatura de terror, então como deixar de fora “Duna”, de Frank Herbert, Anthony Burgess, Arthur C. Clarke e, principalmente, “O Homem do Castelo Alto”, de Philip K. Dick? Na época em que comecei a fazer teatro, devorei tudo o que ainda não havia lido de William Shakespeare, Ariano Suassuna e Tennessee Williams. Não, sendo honesto, eu não conseguiria ficar em paz com minha consciência se deixasse de citar a importância em minha vida de “Cem Anos de Solidão”, de Gabriel García Márquez, ou as madrugadas instigantes acompanhado de “Ensaio Sobre a Cegueira”, de José Saramago. “O Velho e o Mar”, de Ernest Hemingway, foi um dos raros livros que li inteiro duas vezes no mesmo dia. E a brutal intensidade a cada página de “Ulisses”, de James Joyce? Eu já citei J.R.R. Tolkien? Nunca esquecerei a profunda emoção que senti lendo a trilogia “O Senhor dos Anéis”, anos antes dela ser descoberta pelo grande público com as adaptações cinematográficas. Você já leu “Lavoura Arcaica”, de Raduan Nassar? Considero um dos melhores livros nacionais de todos os tempos. E, já que citei esse, preciso incluir Machado de Assis, que felizmente conheci fora das carteiras escolares, ficando encantado com o humor de “Memórias Póstumas de Brás Cubas”. Espera um segundo, eu citei Nikos Kazantzákis, F. Scott Fitzgerald e Ayn Rand? Atualmente estou conhecendo melhor a obra fascinante de Bernard Cornwell, que já me cativou anos atrás com a trilogia “As Crônicas de Artur”. Sendo praticamente obrigado pelo inexorável tempo a fechar esse texto, percebo que cheguei a quarenta e três nomes. E já estou me sentindo culpado pelos outros tantos que estavam se esgoelando em minha mente por atenção, como Miguel de Cervantes, Nelson Rodrigues, Harper Lee, Guimarães Rosa, Clarice Lispector, Truman Capote, Marguerite Duras, Carlos Drummond de Andrade, Graciliano Ramos, Umberto Eco, Mark Twain, Júlio Verne, Pablo Neruda, Camilo Castelo Branco… 

Em resumo, com o perdão da sinceridade, somente aquele que pouca atenção dedicou à literatura em sua vida será capaz de citar superficialmente apenas quinze nomes, sem preocupação com a contextualização. E, principalmente, sem sentir o remorso por deixar tantos outros nomes de fora. Eu, por outro lado, sigo mantendo minha média de leitura de cinco a sete livros ao mesmo tempo, com uma longa lista de espera, ainda com a esperança de viver muito para ter chance de desbravar mares que ainda desconheço nessa maravilhosa arte.

"Interestelar", de Christopher Nolan

* Resgato aqui a crítica postada na semana de estreia do filme, com a adição de alguns trechos com spoilers.

Interestelar (Interstellar - 2014)

É curioso analisar a reação do público, dividido entre dois extremos, aqueles que celebram o projeto de Christopher Nolan como um sucessor do épico “2001” de Kubrick, tão radicais quanto aqueles que não enxergam qualidade alguma em seu ambicioso esforço. A ambição, por si só, já valeria como mérito, com o diretor provando mais uma vez que é possível unir o cinemão mainstream, com seu calculado entretenimento industrializado, a uma dose generosa de ousadia temática e de execução, tão comuns no cinema independente. O aspecto visual é impressionante, o design do buraco negro, a execução da cena ambientada no hipercubo, um refinamento à altura das questões levantadas no roteiro.

Os primeiros quarenta minutos são intensamente problemáticos, com excesso de diálogos expositivos, defendidos por personagens que agem de forma unidimensional. Alguns, como o vivido por John Lithgow, atravessando a tênue linha da caricatura. Na cena em que o pai, o astronauta fazendeiro interpretado por Matthew McConaughey, avisa sua filha sobre a natureza de sua missão, a trilha sonora de Hans Zimmer se torna insuportavelmente melodramática, tentando extrair a fórceps a catarse de uma relação familiar cujo investimento emocional se resume a longos diálogos técnicos, uma conexão que só existe em teoria, nas páginas do roteiro. Essa cena se estende por mais tempo do que devia, mas como o sentimento proposto agressivamente pela trilha e pelas atuações não soa orgânico, o desespero da menina se torna inverossímil, lágrimas de piloto automático, com o roteiro repetindo os clichês das inúmeras despedidas entre pais e filhos no cinema. Fica clara a ansiedade do diretor em chegar ao ponto que estimulou sua gênese, com o início da missão espacial. Após tanto falatório, fiquei até aliviado quando a câmera se estendeu na paisagem silenciosa do espaço. O segundo ato flui de forma muito mais eficiente.

É interessante a forma como a teoria da relatividade de Einstein é utilizada como recurso dramático, mas quando a trama força um discurso quase piegas, o que ocorre com frequência, inserindo o conceito do amor na equação, fica aparente o desconforto do diretor em se afastar do aspecto mais nerd da obra, as análises científicas e existenciais que ele propõe. Fica parecendo gordura extra, com a quantidade imensa de informações que os personagens metralham, eventuais quebras de ritmo onde, sem exagero, ficamos assistindo tiras de cartolina, sem nenhum aprofundamento ou motivação verossímil, divagando de forma romântica e poética sobre questões que parecem enxertadas somente para agradar o público feminino que aprecia as formulaicas comédias românticas, o que explica os dispensáveis últimos dez minutos. A necessidade de abraçar vários temas bastante distintos, em três longas horas de duração, acaba tornando a abordagem sobre cada um deles algo implacavelmente superficial. Os muitos paradoxos, algo usual em todos os filmes que abordam de alguma forma viagens no tempo, são prejudicados pelos problemas já citados. Quando a trama é bem executada, você investe emocionalmente no que está sendo mostrado, você se afeiçoa organicamente aos personagens, então não se apega em tempo real aos paradoxos. Como o estilo de Nolan prima pelo excesso didático, os paradoxos se destacam na narrativa como um elefante numa loja de cristais. Um exemplo desse didatismo tolo em algo que não é um paradoxo: o personagem de Matt Damon, após mostrar sua real intenção, vira as costas para o protagonista à beira da morte. Na expressão de seu rosto, ele já diz tudo, mas o roteiro insere um texto bobo onde ele verbaliza algo como: "não consigo ver isso, eu pensei que conseguiria, mas não consigo". Vale comparar a reação dos astronautas desse filme ao encontrarem o buraco negro, momento que vira papo de botequim elegante, com a magistral sequência de "2001", onde o astronauta atravessa em silêncio o portal das estrelas, evidenciando que a mente humana não está preparada para esse tipo de contato. 

Para os admiradores do cineasta, no que me incluo, é ótimo encontrar as características sequências espetaculares com montagens paralelas, assim como é válido aplaudir novamente sua coragem, mas unindo os fracos quarenta minutos iniciais, que emulam as piores características do cinema de Spielberg, e um terceiro ato estruturalmente frustrante, acredito que, por mais impactante que seja o primeiro contato com a trama, com um tema fascinante e algumas reviravoltas espertas, suas falhas tendem a se destacar bastante em revisões. Apesar de seus inegáveis méritos filosóficos, especialmente a partir do ponto em que o protagonista é levado por uma inteligência do futuro a interagir em sua própria linha temporal, aquela maravilhosa ambição narrativa que é tão rara na indústria norte-americana, esse talvez seja o filme do diretor que irá envelhecer com menos graciosidade. 

* A ótima novelização de "Interestelar", escrita por Greg Keyes, a partir do roteiro de Christopher e Jonathan Nolan, está sendo lançada pela editora "Gryphus Geek".

A Gênese de Stanley Kubrick

Medo e Desejo (Fear and Desire - 1953)

Quatro soldados sobrevivem à queda de seu avião e se encontram em uma floresta a seis milhas atrás das linhas inimigas. O grupo, liderado pelo tenente Corby, tem um plano - fazer seu caminho para um rio próximo, construir uma jangada e, em seguida, à noite, flutuar de volta para território amigo. Seus planos para voltar com segurança são desviados por uma jovem mulher que se depara com eles.

Com exceção de “Lolita”, o único que pode ser considerado irregular, a filmografia de Stanley Kubrick é impressionantemente formada por obras-primas em variados gêneros. Esse primeiro trabalho, financiado pelo próprio diretor, acumulando funções como forma de driblar as limitações orçamentárias, já demonstra incrível domínio de câmera, além de uma preocupação pouco usual com o subtexto filosófico que move a narrativa, explorando com lirismo os sentimentos dos soldados que lutam para que a loucura não os domine, mérito do roteiro de Howard Sackler. Há também influência de Eisenstein na forma como ele trabalha as elipses visuais em uma sequência de ataque. Também é válido citar a curiosa reutilização de atores em lados opostos na batalha, algo que pode não ser percebido numa primeira sessão, mas agrega camadas de interpretação em revisão. Essa abordagem sobre as consequências desumanizantes de uma guerra voltaria a ser trabalhada pelo diretor, com maior eficiência, em "Nascido Para Matar", mas é preciso salientar a coragem desse comentário social defendido com segurança por um cineasta de pouco mais de vinte anos de idade, no período em que o mundo ainda estava se recuperando da Segunda Guerra Mundial, com direito a uma insinuação de estupro que desafiava os censores. A atmosfera que remete aos episódios de "Além da Imaginação", esforço consciente de retratar a estupidez do conflito como algo surreal, transforma a floresta em algo quase sobrenatural, um purgatório onde os personagens andam em círculos, sem esperança de redenção.

A Morte Passou Perto (Killer's Kiss - 1955)

Em Nova York um lutador de boxe conhece uma dançarina quando esta é atacada por seu patrão e amante. Este acontecimento acaba provocando o envolvimento dos dois, mas o amante preterido, dominado pelo ciúme e pelo ódio, manda matar seu rival. Entretanto, em virtude de um equívoco, os capangas matam o empresário do lutador. O casal, vendo que corre perigo, tenta deixar a cidade para sempre.

Também financiado na garra, com ajuda do dinheiro emprestado de um tio, essa segunda produção pode parecer convencional na superfície, menos ambiciosa em suas ideias que a anterior, mas um olhar atento encontra um jovem audacioso tentando deixar sua marca. A estrutura é a do noir, desconstruído ao optar por um final feliz, contado em flashback com utilização generosa de monólogos internos, cortesia de Sackler, emoldurando um triângulo amoroso aparentemente simples, entre um boxeador, uma prostituta e seu cafetão. Kubrick substitui a alegoria de “Medo e Desejo” por uma visão mais realista, quase patética, desses personagens inseridos em uma sociedade corrompida. Em uma incrível sequência de boxe, dá pra perceber a fonte em que Scorsese bebeu para o seu “Touro Indomável”, com uso de câmera na mão em ângulos expressionistas e priorizando o som da respiração dos lutadores. Mais adiante, numa criativa cena de sonho onde a câmera atravessa rapidamente uma rua, a imagem em negativo antecipa um recurso que o diretor utilizaria em “2001 – Uma Odisseia no Espaço”, na famosa sequência do túnel espacial. Mas nenhum momento deixa mais clara a audácia de Kubrick que o longo conflito final entre o boxeador e o cafetão, testemunhado por vários manequins femininos em um depósito. Na selvageria dos dois, chegam a utilizar aquelas bonecas como arma, uma interessante metáfora visual, eles lutam de forma inconsequente, até desajeitada, pelo domínio daquela passiva mulher-objeto.

O Grande Golpe (The Killing - 1956)

Quando o ex-presidiário Johnny Clay (Sterling Hayden) diz que tem um grande plano, todos querem participar. Especialmente quando o plano é roubar 2 milhões de dólares em um esquema "ninguém vai se machucar". Mas, apesar do planejamento cuidadoso, Clay e seus homens se esqueceram de uma coisa: Sherry Peatty (Marie Windsor), uma garota ambiciosa e traiçoeira que está planejando um grande golpe só seu.

Após dois projetos de guerrilha com estéticas muito originais, esse ótimo filme de assalto mostra um diretor mais domado, com tudo calculado, buscando a apreciação do público mainstream, uma atitude que culminaria no épico “Spartacus”, excelente produto comercial, mas longe dos experimentos mais autorais que ele retomaria com “Dr. Fantástico”. Trabalhando pela primeira vez com financiamento profissional, um orçamento mais digno, o que possibilitou a entrada de um diretor de fotografia, o competente Lucien Ballard, o jovem conseguiu escalar atores experientes, como Sterling Hayden e Elisha Cook. O desfecho inesquecível, que não ousarei revelar para não estragar a experiência de quem ainda não viu, só tem aquele impacto maravilhoso graças à impecável construção de clima desde a primeira cena, um suspense que só é eficiente porque o roteiro estabelece personagens verdadeiramente interessantes, ainda que nada carismáticos. O próprio protagonista, vivido por Hayden, parece ser incapaz de expressar qualquer emoção. Por outro lado, temos George (Cook), a representação da fragilidade humana, um patético marido que é atraído ao crime como forma de tentar reconquistar a admiração da esposa, um respeito que nunca existiu na relação. Na execução do plano do grupo, Kubrick esmerilha ao ousar trilhar um caminho não linear, sobrepondo ações dos ladrões no que se torna um quebra-cabeça instigante, atitude que até mesmo no cinema moderno poderia ser considerada arriscada demais por muitos produtores. A coragem que o cineasta já apresentava em seu primeiro trabalho encontra aqui sua voz mais madura. 

Glória Feita de Sangue (Paths of Glory - 1957)

Quando soldados franceses nas trincheiras da Primeira Guerra Mundial recusam-se a continuar um ataque aparentemente impossível de se vencer, seus superiores resolvem levá-los à corte marcial, onde poderão ser julgados à morte.

Poucas cenas na história do gênero são mais impactantes em seu simbolismo, após várias exibições de barbárie no campo de batalha, Kubrick opta por encerrar o filme com a desilusão do coronel, vivido brilhantemente por Kirk Douglas, ao ver seus soldados debochando de uma tímida jovem alemã, que chora enquanto é levada a subir contra sua vontade num palco improvisado, totalmente indefesa. Eles exigem que ela cante algo pra entreter a tropa. A voz dela, imbuída da resistência que só é explicável pela dignidade que ainda luta para se manter ereta, acaba tocando os recônditos da memória afetiva dos soldados, aquela frágil lembrança dos indivíduos livres que eles foram antes do militarismo os transformar em máquinas que aceitam ordens sem questionamento. Aos poucos, a voz fraca vai calando os gritos, os adultos se tornam crianças com saudade de suas mães, eles choram mesmo sem plena compreensão da letra entoada em outra língua, lágrimas que representam a dor de toda a humanidade perante a loucura da guerra. Aquela música salientou a estupidez que os colocava em posições opostas, um recurso simples e brutal que nunca foi igualado em obras similares. A esperança reside no simbolismo desse desfecho, ainda há humanidade, corroborando a atitude do coronel que atuou como advogado de defesa de três de seus soldados, contra a covardia de seus superiores. A jovem atriz da cena final, Christiane Harlan, no ano seguinte se casaria com Kubrick, um relacionamento que durou até o falecimento do cineasta, em 1999. 

Os filmes estão sendo lançados em Blu-ray pela distribuidora "Versátil", com a curadoria sempre impecável de Fernando Brito, na caixa "Kubrick Essencial", em parceria exclusiva com a Livraria Cultura, que conta também com os três curtas iniciais do diretor e excelentes documentários sobre cada projeto.