O Cinema de Ozu - "Filho Único"

Filho Único (Hitori Musuko – 1936)

Uma mãe solteira sofre para conseguir criar e educar seu único filho. Com muito esforço, consegue que o rapaz vá estudar em Tóquio.

“A tragédia da vida se inicia com a ligação entre pais e filhos”. (Ryunosuke Akutagawa)

O cinema mudo no Japão era especialmente lúdico, graças ao acompanhamento dos Benshi (homens que narravam o filme, utilizando inclusive instrumentos musicais). Essa forma de arte foi esquecida com a ascensão dos filmes sonoros, mas continua exercendo fascínio nos cinéfilos orientais, que de vez em quando insinuam reviver o interesse por esse método. De certa forma, esse acompanhamento aliviava o peso narrativo das imagens, promovendo um distanciamento, fazendo com que os sentidos se focassem em absorver sentimentos, ao invés de compreendê-los. Complexidade coerente à tradição nipônica, cujos caracteres de seu alfabeto (como “Kanji”) representam mais que apenas meios de se compreender um fim. Um diagrama constitui muito mais que uma palavra, representando um estado de espírito impossível de codificar literalmente.

   

Essa beleza poética é personificada nos Benshi, que eram muito populares e adiaram por bastante tempo a entrada da revolução sonora na sociedade oriental. Ozu somente utilizou o recurso do som quando se sentiu confortável para inseri-lo sem prejudicar seu estilo. “Filho Único” foi sua primeira experimentação (sem contar o curta documentário: Kagamijishi). E com total segurança, ele insere uma crítica bem-humorada na cena em que o jovem acompanha sua mãe no cinema com o intuito de fazê-la conhecer o “cinema falado”, assistindo um popular filme alemão sobre a vida amorosa de Franz Schubert. A mãe não consegue se conectar emocionalmente ao filme e dorme na sessão. Ozu respondia ao chamado da modernidade do Japão da década de 30 (que incitava uma hegemonia militar) com a simplicidade de seus temas, emoldurados por sua câmera baixa ao nível dos olhos, em um “plano tatami”. Um exemplo perfeito do estilo de Ozu pode ser notado em uma cena que mostra o filho dando uma aula de matemática sobre círculos e ângulos retos. Um aluno se levanta e pede que ele explique melhor o assunto. A câmera coloca os personagens em uma espécie de círculo dentro da cena, no qual todos os ângulos de câmera são cortados em ângulos de 45 graus como se estivesse em uma circunferência imaginária que o professor está diretamente explicando. É um momento que pode passar despercebido, mas que me fez pausar o filme e rever, para ter certeza que não era simples coincidência.

Encontramos no filme a frustração de uma sociedade sem emprego e desacreditada dos ideais do período Meiji, forçada a abandonar os campos em busca de melhores condições de vida na cidade. A invasão de culturas estrangeiras (simbolicamente mostrados no filme alemão já citado, além do pôster da estrela americana Carole Lombard na parede) e o constante sentimento de que tudo iria ruir a qualquer momento, exemplificado pelo uso (por vezes, propositalmente, irritantes) dos sons-off diegéticos que estabelecem o enriquecedor elemento surreal. Por esses e muitos outros detalhes técnicos, além do fator emocional eficiente de sua trama, um tesouro pouco reconhecido e que merece constar em qualquer lista de melhores obras do mestre japonês.

A Seguir: “Era Uma Vez Um Pai” (1942)